我的風格是這樣慢慢長出來的
- Grace
- 7月11日
- 讀畢需時 10 分鐘
已更新：8月4日
每個創作者都會經歷一段迷茫，不知道自己要做什麼，只知道對某些配色或材料特別有感。我們拼命尋找「風格」，以為它是一個可以找到的答案，卻忽略了它其實是一個慢慢長出來的過程。從美甲師的角度，我想分享這一路走來的體悟。
風格從來不是突然出現的，而是在無數次的嘗試、失敗、堅持中，一點一滴被磨出來的。
很多人問過我：「你是怎麼找到自己的風格的？」其實我跟大家都一樣，我也經歷過不知道自己要做什麼，只知道自己總是對某些配色、線條或質感特別有感，想試、想做、想留住它。
有時候我們會以為風格是一種找到答案的結果，可以透過一個穩定的流程與方法來發掘。但我覺得它其實也是一種內在的狀態，特別是當自己不再急著證明什麼，也不再追著外在的標準跑，而是願意慢慢靠近那個誠實創作的自己時，風格就會悄悄浮現。
現在回顧自己一路走來的創作歷程，當我的創作從「完成工作」變成「內心的回應」，當我願意試出一個連自己也不知道會變成什麼的東西的時候，那些選擇與嘗試，就會開始為自己建立風格。
一開始模仿是必要的，不要急著跳出
很多人以為模仿是不夠好的，但其實模仿是風格養成期裡最紮實的一段基礎訓練。當我們還不熟悉材料、不熟悉手感、不知道哪些組合會有火花時，模仿讓我們先學會怎麼做。像是我們從小時候學語言、學走路、學畫畫，都是從模仿開始，我們看到大人說話，就試著發音；看到圖案，就用蠟筆照著畫；看到你拿湯匙，他也想學著拿。
模仿的本質是 「透過模擬，理解規則」。 最終要轉向：從模仿 → 分析 → 轉譯 → 再創造
我們學會怎麼搭配顏色、畫出一條穩定的線、甚至抓住美感的節奏，這些其實都不可能一開始就有深刻的理解。在初學階段先模仿沒關係，但最重要的是不要停在模仿，隨著進階一定也要開始訓練自己創造。
這作品讓我喜歡的點是什麼 ？
如果這個概念放在我自己的創作裡，可以怎麼變形 ？
我能不能重新排列組合這些元素，變成我自己的語言 ？
這才是風格養成的開始。換句話說，模仿是入門，轉譯才是成長，創造才是成熟。
風格是日常裡慢慢長出來的
現在回顧自己的創作歷程也才發現，它就是藏在每一個選擇裡。包括選擇不照圖做、選擇讓客人的話變成設計的起點、選擇不斷練習把抽象的感覺具體化。
我很感恩一場陰錯陽差的選擇，因為我從一開始踏入美甲業的時候，就不接受「帶圖指定」的設計。之所以說是一場陰錯陽差的選擇，是因為這並不是因為一開始就有什麼理念，只是那時候的我還在學習階段，對自己的技術沒有太多信心。擔心做不到客人期待的樣子，也不想讓彼此都失望，於是選擇了更安心的做法。沒想到，這個看起來像是妥協的選擇，卻默默地影響了我後來的創作方式。
因為沒有參考圖，客人多半只會用幾句話、一些情緒來描述他們想要的氛圍。
「想要乾淨、舒服一點」
「最近心情有點煩，希望顏色能療癒一點」
「我喜歡低調，但還是想有點特別」
這些話，乍看之下很抽象。但也因為這些空白，我反而多了很多空間可以嘗試。從情緒找色彩、從語氣拆線條，每次創作前都像是在接收一個新的題目，慢慢去思考、去練習。久而久之，我發現自己在這樣的過程中，開始有了一些習慣的構圖方式、配色邏輯，甚至對材料的選擇也變得更敏感。那些不是為了成為風格而刻意累積的東西，回頭看時，也已經悄悄變成了自己的樣子。
後來我也發現，許多我的客人並不是想要一模一樣的某張圖片。他們更希望有人能理解他此刻的心情，然後替他做出一款屬於當下的作品。這種過程讓我感受到，創作不只是做出好看的設計，更是一種互相信任的結果。
不知道喜歡什麼的時候，一定要勇敢試錯，千百次都不嫌多
一開始練作品時，我會覺得自己離「有風格」這件事很遙遠，所以我當下也沒有急於尋找自己的風格，因為我知道自己當時能做的，就只能不斷地嘗試，每天都讓自己開心去玩創作。所以我很常坐在桌前，一邊試一邊拍照記錄。有時候做完一整晚，到了凌晨還是覺得「這個作品好像不好看」，隔天又重來。我不誇張地說，我真的試過凌晨五點還沒睡，因為腦中有個靈感閃過，不做出來會睡不著。
我會很用力地「玩材料」真的就是玩。我去把每一罐自己有的材料都試一次，不同品牌的質地、濃稠度、流動性、不同材料組合之間的小變化，甚至連凝膠筆都換各種不同的粗細軟硬、不同寬度尺寸的來用……這些細節都會影響設計的呈現。
剛開始常常失敗，畫到一半就放棄，或是畫出來的作品也覺得有點心虛。但就是這些「不對的感覺」，在提醒我什麼不適合我。慢慢地，我開始知道自己喜歡什麼樣的膠質、偏好什麼樣的技法，也發現原來我對某些素材有自己的敏感點和語彙。這些試錯過程，後來成為我風格的一部分。我沒有一開始就知道自己會走到這裡，但我每次都誠實地問自己：「我喜歡這個作品嗎？我還能不能再試一種可能？」我發現，風格從來不是突然出現的，而是在這些「做完後不滿意」與「再給自己一次機會」的循環中，一點一點被磨出來的。
我曾經連續一整個禮拜，每天在凌晨兩三點還坐在桌前試圖完成一片甲片，做完不滿意，就隔天重做。也試過凌晨五點還沒睡，只因為腦子裡突然有一個排列組合的想法，就是想要試到當下滿意。有一陣子我給自己的挑戰是「每一天都要做出一個新作品」，不管好壞、醜或美、成功或失敗。很多作品自己都不太想看第二眼，但就是在那些「失敗作品」裡，我學會了什麼配色會讓我反感、什麼筆觸太死板、什麼構圖讓人覺得無聊。
我也會放手去摸每一種材料，我會一個一個測試，甚至去做「這個素材＋這種顏色」的排列組合實驗。某一次是畫左邊手，下一次就故意挑戰畫右邊看看。畫筆換成最細的、再換成最粗的、試著用沒人用的刷具、甚至用牙籤做出來的紋理。
這種「什麼都玩一遍」的過程，幫助我理解材料，也逼我更快建立自己的審美標準。久了自己就會知道，什麼是我真正喜歡的，而不是別人說好看的。試錯的過程不浪漫，甚至有點狼狽，但對我來說風格也不是一開始就靈光乍現，比較像是一點一滴去碰撞、去玩、去累積的結果。
當我發現一點點喜歡的東西，我選擇堅持下去
真正讓風格慢慢浮現的，也是因為自己開始對喜歡的東西有所堅持。那是一種很微小的確定感，像是平常我在反覆修改一款設計時，突然對某種膠的透明感有了好感，可能那個細節小到別人可能根本不會注意，但我卻莫名感到舒服。有時候是某一筆暈染的流動感，有時候是某種筆刷帶來的筆觸，有時候是一個構圖邏輯。
「啊，這就是我要的比例」。
這些在我當時都不是一個什麼特別的「大發現」，也不是覺得好像找到風格感覺，就只是單純一種「有一點點喜歡」的感覺，是慢慢累積的過程。但我都會為這些微小的喜歡留下它們、延伸它們。
但老實說，在商業現場真的也很容易迷失。我在前期新手階段的時候，有些客人會說他喜歡我的風格，實際上卻是希望我畫出某個具體的圖案、照著某張圖片完成。在某些時候，我也會被客人的需求帶著走。 「我要加上這個」
「這個顏色能不能換成粉的 」 「可以微調嗎 ？（實際是...大改版）」 「我想要那個顏色」
我以前會覺得，迎合市場是專業的一部分。畢竟能讓客人滿意、讓作品受歡迎，本來就是我們工作的責任。但久了我發現，那些「喜歡」也會慢慢從作品裡遺失。有些款式做完，明明不難看，客人也說喜歡，可是我心裡卻知道那不是我嚮往的樣子，那不是我每天都會期待再創作一次的設計。
不要做太多自己都不喜歡的事情，否則熱情就會變得模糊
創作的熱度不是來自掌聲，而是來自內心那個「啊，我真的喜歡這樣」的聲音。當我練習堅持的時候，哪怕只是一點點。有時候是一筆構圖、一種配色、一個材質的選擇，我會悄悄地為它們保留空間。到後來那些真正喜歡我的風格的客人，也會慢慢留下來。他們不會只把我當成會畫圖的人，而是相信我做出的每一筆都有它的理由。
當我接到比較具體的需求時，我心裡其實也會知道對方還不太認識我。通常是第一次來的新客人，也許只是還沒接觸過這種風格式創作的方式。我會在溝通時輕輕地說：「我會以我的風格為主發展設計。」在一開始就建立一種溫柔的界線，來讓客人提前認識我的創作規則。
我也理解客人的立場，有時候他們想要具體的東西，是因為有明確的需求，有時候則是對美的掌握還沒這麼有信心；有時候只是還不夠信任。這些都很正常，我也在這個過程中學會不要立刻覺得自己被否定，而是給對方時間，也給自己一點被信任的機會。
尊重客人的同時，也要尊重我自己。我會傾聽客人的需求，也會觀察客人想要的感覺，但我會用我的方式去詮釋。現在回頭看，那些讓我有一點點「喜歡」的東西，最後都變成我建立風格的基礎。只要我能夠堅持做我真的喜歡的作，懂我的人終究會留下來，而那樣的連結也是最穩固的。
把每一款作品，當成一期一會的藝術創作
如果把每一款作品都當成是一件「藝術創作」，不是「美甲款式」，那整個創作過程的心態就會不一樣。有一次，是個陰天，空氣很濕，客人穿著一件淺灰色毛衣，坐下來的時候整個人散發一種很安靜的氛圍。我一邊看著她的指節、膚色，一邊摸著桌上那些色膠和素材。
我心裡想：「如果這件毛衣變成一款指甲，會長什麼樣子？」
我開始疊加不同透明度的層次，讓筆刷故意留下一點點粗糙的痕跡，再點一點細微的亮粉，就像毛衣纖維在陽光下的光澤。那一刻我非常專注，我知道這個畫面無法複製，因為是那天的光線、她的語氣、我桌上的素材，以及我當時的狀態，共同決定的結果。
當我真的全心投入去做的時候，創作就會變得非常直覺，甚至有點像是用五官的感受在創作。那種狀態很難描述，但我知道自己很享受。可能也因為這樣的心態，我也享受那種做完的創作「不知道會變成什麼」的開放感那種不確定，會讓我有一點緊張，但也因此更小心地去聆聽每一個當下給我的訊號。
※ 是感受到客人今天的心情 ？
※ 是前幾天上班路上的街景 ？
※ 還是我昨天在追劇的時候看到的一個畫面 ？
這種創作方式，沒有公式，也沒有保證。但我漸漸習慣了這種「去感受 → 嘗試 → 做失敗 → 重來 → 慢慢長出來」的過程，久了我也開始知道什麼東西是我的。
有時候需要一個外力的刺激
很多時候，我會做著做著就會被困在自己的框框裡，可能是太在意結果、太怕犯錯、太想要安全。所以我常常會逼自己去做一些看起來「不一樣」的事，像是硬要用一種從沒碰過的素材、設一個主題當作挑戰，或是讓別人來出題目、限制工具…。這些方式會讓我跳脫慣性，也從錯誤中意外撞出一些新的方向。
我曾經畫甲片的時候，會被 Alvin 丟到垃圾桶裡（笑死）。
（沒錯，他就是魔鬼教練。）
那時候我覺得好氣，畫了一整晚的作品，一句「不行，這個不對」就被丟掉。但我還是又坐回桌前，想著：「那我換個角度，再畫一次看看。」可能畫到凌晨三點、四點，又失敗了，但我心裡有個聲音：「不行，我想要弄懂哪裡不對。」
現在回想，我很感謝那些反面的聲音。因為有時候會太溫柔地對待自己的慣性，反而走不出來。但當有一個人幫你打破那個框，或你主動設定一個小挑戰時，就像窗戶被打開了一條縫，空氣就會流通了。
「必須在一小時內完成」
「你應該試試看其他的排版」
「這個材料已經用過好幾次了」
如果不是那些不被認可的時刻，我可能不會立即嘗試新的邏輯，也不會這麼快就找到一點點屬於自己的語言
創作者的玻璃心和好勝心，常常是共存的。嘴上說著「我只是想自由創作」，但心裡其實也會期待被喜歡、被認同、被看見。這樣的矛盾我也有過，只是我沒有讓好勝心遮蔽了成長的雙眼。我知道自己在意那些聲音，但更知道該怎麼讓這些情緒變成推進自己的能量。
也許是因為我消化情緒的速度很快，痛一下、氣一下，就什麼都忘記了，然後開始速速動手畫下一張。如果你也覺得最近的創作讓你有點悶，也可以試試讓別人出題給你、把熟悉的材料通通收起來換一批陌生的，或是乾脆設下一個自己都覺得「好不一樣」的創作限制。我相信你一定會在那些意想不到的撞牆期，看到一些從來沒想過的自己。
風格，是我與客人的默契
寫到這裡，我想起那些深夜坐在桌前的自己，那些被丟進垃圾桶的甲片，那些再試一次的倔強瞬間。風格從來不是一個終點，而是一條沒有盡頭的路。每一次你選擇誠實地面對自己的喜好，每一次你在眾聲喧嘩中依然堅持那一點點微小的堅持，每一次你願意為了一個模糊的靈感熬到凌晨，你都在為自己的風格努力。
當客人說「我想要療癒一點的感覺」，我的手會自然地找到那個剛好的比例。這種默契不是因為我迎合了她們，而是因為我找到了自己，所以能夠用最真實的方式回應她們的需求，而客人也能全然相信我。
創作過程中的不迎合、不妥協、不放棄最終會匯聚成一種獨特的語言，一種只屬於自己的表達方式。風格終究是藏在自己每一次勇敢的嘗試裡，也許現在還很模糊，但總有一天會從別人的口中聽見，那就是你的風格。
